今天看看《如何逛艺术馆》中对于艺术的定义。

图片 1

看画的时候,我们每个人都是从自己的经验出发。一件艺术品,因为有了观众,它才得以完成;因为有了众多观众的不同反应,它才得以成就。在林林总总的观众之中,有一类最有趣——另一个艺术家。身为同行,艺术家和艺术家之间有时惺惺相惜,有时恨如仇敌。阅读艺术家对另一个艺术家的评论,让艺术君这个圈外人兴趣盎然。

※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※
   ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※

于东方艺术而言,画框这种东西,绝对是舶来品。在画廊里看展览,特别是古典大师的作品,除了对着画本身流口水之外,画框也特别吸引艺术君的注意。有的繁复,画框的面积甚至是画的好多倍,有的简洁,普普通通、褪了色的木头,甚至有些蛀眼,但更衬托出其中圣母的虔诚和圣子的威严。甚至有一家博物馆专为画框举办过一次展览。

前两天发了一幅画,马上收到回复,指出那是法国画家弗朗西斯·皮卡比亚(Francis
Picabia)的作品。

总会有人提出这个永恒的问题:“但是,这是艺术吗?”

给大家读《如何逛艺术馆》这一节,就是聊聊画框。

图片 2

艺术具有无限种表象,从绘画到行为艺术,从现成物到空间,从让人无法抗拒的美到彻彻底底的丑,这让前面的问题变得有意义。如何回答它则更加重要。对于艺术陈旧过时的观点常常造成不切实际的期望,从而积聚成失望的艺术馆之行。

关于像极了小恶魔的宫廷侏儒的故事,艺术君记着呢。

《暴雨之神埃洛》

本来难以描述的东西,非要用语言表达,对此,很多人觉得是违反直觉的。而那些声称艺术抗拒定义的人,又把事情模糊得毫无必要。要想让艺术为人接受,就得用最适当的方式来定义艺术。这并不是说艺术只有一种定义方式。艺术本身有多种诠释的可能。

※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※
   ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※

第一眼看到那幅画,艺术君深深着迷,但不知道怎么形容,也说不清楚它的魅力来自何方。在阅读了下面这篇文章后,艺术君明白了,这位让人难以归类的画家,他的作品“让我有种头晕目眩的幸福感,它们在歌唱。它们的存在就是奇迹”。

很多人相信,一件作品必须美丽或是给人带来启发,这才能称之为艺术。当他们遇到某些反常的作品,艺术馆也不去引导他们如何理解,他们就无所适从了。“这是艺术吗?”看到唐纳德·贾德(Donald
Judd)的金属盒子时,他们会这么问。或者“我儿子也能搞这个”,面对卡雷尔•阿佩尔(Karel
Appel)或是杰克逊·波洛克的画,他们会这么说。显然,定义就像某种舒适地带。当艺术太过模糊,无法符合某人的品味,就会引发很多不适。

艺术在哪里终结,世界从何处开始

图片 3

图片 4

关于画框和艺术的戏剧效果

想想你最喜欢的画,你闭着眼都可以描述的画。现在试着想想它的框是什么样子。奢华茂盛的镶金叶子雕刻?还是简单的黑木条?根本没有框?我出十块,你掏一分,赌你根本毫无印象。

——菲尔·道斯特( Phil Daoust),记者

图片 5

有一间艺术馆,曾经大胆组织了一次关于画框的展览。没几幅画,但是有很多画框。如果你以为画框不过只是保护画的木头,这次展览可能会改变你的想法。

图片 6

画框不仅出于实用目的存在。不知道你是否注意过:在窗户里看去,恶劣的天气变得更糟糕了?这样的效果,就来自于画框如何影响你对于内里图像的感受。它们会强化你的视觉经验。或者如画框专家、书籍《定义边缘》作者威廉·贝里(William
Bailey)所言:“画框是观者和绘画之间的中介物。”一幅画没有了它们,你肯定会错过很多微妙的色彩平衡和精细,甚至可能更多。所以,很多画家把上框视为创作作品的一部分。“一幅没有框的画,如同一个没有身体的灵魂。”梵高曾这么说。

图片 7

画框的特别迷人之处在于,它们定义了艺术终于何处,余下的世界在哪里开始。这么细微的决策会引发激烈见解。有些艺术家觉得:画框就像雕像的基座,或者剧院的舞台,应该让画作独立存在。这么一来,它给人的体验就是显而易见的、猝然的存在。有人相信:画框应该提供一种平滑的过渡,让人从真实世界——也就是展厅的墙壁——进入画作的想象王国。

图片 8

往后退几步,你也许会把整个艺术馆看做你自己艺术体验的画框。白立方看上去很纯净,然而其中有很多“隐秘的”聚光灯,精心选择的墙漆,还有很多其他手法,强化展示作品的视觉冲击力。注意到这一点,你的艺术馆之行就又多了一层有趣的维度:艺术馆的戏剧效果。既然任何画作都只有借助假象才能成立,你也许可以问问自己:哪里是此物的开始,何处是彼物的终结?

※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※
   ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※

【说明:以上中文文字内容,除引用部分外,版权归郑柯所有,转载请标明出处。如果你想给坚持原创和翻译的艺术君打赏,请长按或者扫描下面的二维码。两个二维码,一个是一套煎饼果子,另一个您随意。】

 

图片 9

图片 10

图片 11

弗朗西斯·皮卡比亚,法国艺术家,1879-1953。他画画,写诗,穿,表演,还拍电影。马塞尔·杜尚、弗朗西斯·皮卡比亚、曼·雷是纽约达达主义的三个代表人物,题图照片即为曼·雷拍摄。虽然以达达主义者为人所知,但他的风格从印象派一直延伸到激进的抽象主义,主题从蔑视偶像的挑衅到准古典主义,创作手法从基于照片的绘画到无形式艺术。杜尚曾经这样描述皮卡比亚的艺术生涯:“如万花筒般的系列艺术体验。”纽约MoMA网站认为他“一直致力于跟人不一致,职业生涯持续挑战现代主义的传统叙事。”

《铝板做成的100件无题作品》by 唐纳德·贾德

Share this:

  • Click to share on Twitter
    (Opens in new
    window)
  • Click to share on Facebook
    (Opens in new
    window)
  • Click to share on Tumblr
    (Opens in new
    window)
  • Click to share on Google+
    (Opens in new
    window)
  • Click to share on Pocket
    (Opens in new
    window)
  • Click to email this to a
    friend (Opens in new
    window)
  • Click to print (Opens in
    new window)
  • Click to share on
    Pinterest (Opens in new
    window)
  • Click to share on LinkedIn
    (Opens in new
    window)
  • Click to share on Reddit
    (Opens in new
    window)
  • Click to share on WhatsApp
    (Opens in new
    window)

下面的文章来自艺术家大卫·萨利,他是20世纪80年代以来最重要的美国新表现主义画家之一,作品在英美各大美术馆都有收藏。他去年出版《如何看》(How
to see)一书。

图片 12

Like this:

Like Loading…

图片 13

《铝板做成的100件无题作品》by 唐纳德·贾德

从艺术家的角度,讲述自己对于现当代一众艺术家的理解和感受。文章题为“Francis
Picabia:C’est Moi”,法语,意思是“弗朗西斯·皮卡比亚:这就是我”。

图片 14《小孩儿和太阳》by 卡雷尔•阿佩尔

※    ※

图片 15杰克逊·波洛克

“西方艺术展”(Westkunst)——卡斯帕·凯尼西(Kasper
König)【译注1】策划的这个展览,杂乱无章、冷门迭出,而又威风八面。展出的画作从1930年代到80年代,我们也是在此时得以了解已经过世的皮卡比亚。展览举办于1981年的科隆,这里是西方艺术世界的首都,也是众多值得了解的德国艺术家和重要画廊的所在地。莱茵河正对岸,是科隆附庸风雅的双胞胎——杜塞尔多夫,约瑟夫·博伊斯在这里的艺术学院授课。但是是在科隆,这个混乱的城市,它在战争中夷为平地,又在50年代高速发展,这里才是真正的艺术重地。在庞大的展览大厅中,众多画作里,皮卡比亚的画多少让人感到抓狂。这些创作于30和40年代的作品里,有女性裸体、斗牛士、还有怪异的抽象画,它们接近局外人艺术(Outsider
art,【译注2】),震惊了仅仅了解他早期立体主义画作的人,这就包括了几乎所有人。

那些声称艺术抗拒定义的人,又把事情模糊得毫无必要。**

图片 16

欣赏艺术,你需要的,就是了解一点儿背景,还有正确的心态。

《Edtaonisl》

有人认为,艺术是可以习得的品味。就像红酒或者奶酪,需要某种学习才能欣赏。欣赏艺术,你需要的,就是了解一点儿背景,还有正确的心态。那么,在艺术馆中,艺术应该如何定义?不妨试着了解艺术能做什么。超越客观实体,在内心深处打开众多可能,搞清楚艺术家想要达成什么目的。艺术家姬内卜·赛迪哈(Zineb
Sedira)说过:“艺术能让你逃离,发布政治和个人声明,思考,增强意识,质问世界,讲述故事,记录记忆并让它们鲜活,挑战理念和世界。以诗意的方式看待世界。按照你的愿望看待世界。”我们应该珍视的,正是这些想法——或者说是定义。它们是你设定期望时的上佳帮手。下一次,当你去艺术馆的时候,记着这些,你就一定能让自己的游览收获颇丰。

图片 17

※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※
   ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※    ※

《春天》

【说明:以上中文文字内容,除引用部分外,版权归郑柯所有,转载请标明出处。如果你想给坚持原创和翻译的艺术君打赏,请长按或者扫描下面的二维码。两个二维码,一个是一套煎饼果子,另一个您随意。】

那时,我甚至不知道他20年代的“透明”画作(艺术君注:开头那幅就属于这个系列),我在70年代末创作的画,很多人以为是源于他的这些作品。皮卡比亚这个名字,如果学校里会讲到他,多半是先锋阶段历史的一个注脚,一个爱好运动的花花公子,达达主义的破坏分子,为青少年和二十出头的年轻人提供谈资,但没人会把他看成一个严肃的“画家”。我记得,在一个巨大的房间中,卡斯帕布满了皮卡比亚30年代晚期和50年代早期的画,大部分是从照片直接描绘的现实场景:女性裸体、裸体与狗、裸体与有情色意味的花、混合性别的裸体(亚当和夏娃)、斗牛士和弗拉明戈舞者等。在风格上,它们都特别鲜艳,轮廓线很重,仿佛涂漆一般,即便是在创作它们的时期,这种风格也过时四十来年了。这些后期画作强调线条,在优雅和粗粝之间来回变换,这是皮卡比亚从劳特累克和毕加索那儿偷来的。弯弯一笔,就是一只眉毛,或一片圆润的嘴唇,抑或脸部其他部位。他的运笔类似于描绘标识牌的人,关注图像如何简化为一个标识。皮卡比亚和达达主义同伴一起,发现了图表、字母、品牌标识和其他标识的长久影响。他还写有形诗(concrete
poetry,【译注3】),尤其喜欢在纸上把各种不同字体挪来换去。他的作品是图形化风格,受到广告和海报艺术影响,在他20年代最杰出的绘画作品中,比如创作于1923年的《西班牙之夜》和《无花果叶》,充满精致的、第一流的装饰元素,放在配备了让-米歇尔·弗兰克(Jean-Michel
Frank【译注4】)家具的房间里,再合适不过。

 

图片 18

图片 19

《西班牙之夜》

图片 20

图片 21

图片 22

相关文章